Plutôt que de détourner La Joconde, la retourner. Se servir d’une des images les plus célèbres et les plus iconiques de l’histoire de l’art et tenter de créer un léger bouleversement dans les habitudes de perception en exerçant sur cette image un retournement spéculaire (en miroir), générer ainsi un sentiment d’étrangeté.
Jouer sur la notion de copie, de double mais également de simulacre et de faux-semblant. Ce n’est pas une image mais le reflet d’une image. Un miroir aux alouettes. Se souvenir cependant que Léonard de Vinci pratiquait lui-même l’écriture spéculaire. Rejouer avec des moyens contemporains cette pratique en vigueur au XVIIIe et XIXe siècle consistant, pour un peintre, à copier les tableaux de maître en les inversant au miroir.

Ceci est un livre / Ceci est l’image réfléchie et abymée d’un livre / Ceci n’est pas un livre / Ceci a des pages, une couverture et une reliure / Ceci est un livre / Ceci n’a ni ISBN ni dépôt légal / Ceci n’est pas un livre / Ceci est un objet de réflexion / Ceci est un objet d’exposition / Ceci est un objet de bibliothèque / Ceci est un livre

Travail typographique d’un texte en lui donnant l’apparence d’un code Captcha, système censé permettre, sur internet, de détecter si on est un humain ou un robot. Le texte en lui-même est la retranscription du monologue final du replicant Roy Batty, interprété par Rutger Hauer dans le film Blade Runner (Ridley Scott, 1982). Un monologue tragique et lyrique d’un robot qui se sait sur le point de mourir et qui, par bien des aspects, est plus humain que certains humains.

Image ci-dessous : activation dans ma cuisine en mars 2020

Cinq cartels d’exposition renvoyant à des œuvres inexistantes et inconcevables. Les informations sur la nature des œuvres, volontairement vagues, ne permet  pas de s’en faire une idée, on ne peut qu’en imaginer les possibles. Ces cartels ont été répartis dans l’espace Véranda à Grenoble. Certains ont des gommettes rouges, indices d’une vente aussi imaginaire que les œuvres auxquels ils renvoient. Produit dans le cadre de la résidence d’artiste PRESENCE en janvier 2013.

Une pile de photocopies A4 de mon récit de résidence d’artiste à PRESENCE en libre distribution (une version ultérieure du même texte a fait l’objet d’une édition sortie en avril 2013). Cette « sculpture discursive » est destinée à être réduite à néant par les spectateurs, invités à emporter les exemplaires avec eux. Le texte a fait l’objet d’une lecture-performance le 31 janvier 2013 lors de la journée de restitution des résidences à l’espace Véranda, sur le campus universitaire de Grenoble.

Se faire inviter comme intervenant à la table-ronde Les résidences d’artiste en question (le 30 janvier 2013 à l’Ecole supérieure d’art et de design de Grenoble), et ne rien dire du tout. Juste être là. Action réalisée dans le cadre de ma résidence à PRESENCE.

De gauche à droite : Emmanuel Hermange, Marine Lang, Damien Dion, Angeline Madaghdjian et Cloé Beaugrand. (photo : Hubert Renard)

Dans un entrepôt du département « Art » de la New York University, désigner des objets choisis au hasard, avec à chaque fois pour seul commentaire : « It makes sense! »

Dérouler un mètre à ruban le long d’un mur, en photographier certaines parties à échelle 1/1, placer ces images à proximité du mètre à ruban de sorte à ce que les distances entre les images correspondent exactement aux parties non-photographiées de l’objet réel.

Au hasard de trajets quotidiens, tomber sur des objets ou des ensemble d’objets posés dans l’espace public, sans intention artistique. Ne pas les signer, ne pas les considérer comme œuvre, ne pas se les approprier, ne pas intervenir, simplement constater leurs présences à un moment donné, en un endroit donné. Les images sont régulièrement diffusées en ligne sur mes pages Facebook et Instagram et répertoriées sous le hashtag #antireadymade. Alors que Les ready-made appartiennent à tout le monde® n’appartiennent qu’à ceux qui en ont les moyens, Les anti-ready-made n’appartiennent à personne, donc à tout le monde. Projet sous copyleft.

L’interprète, sur scène, est censé réaliser un ensemble de gestes silencieux, suivant une partition pré-établie. Seulement, plutôt que de simplement les réaliser, il les énonce verbalement, à la manière d’un acteur de théâtre (un peu idiot) qui lirait les didascalies des actions qu’il est censé jouer. Le public, de spectateur d’un ensemble d’actes muets, devient l’auditeur de descriptions sonores.

On ne mélange pas les torchons et les serviettes.

« Grand Jeu Concours, règle du jeu : Cloé Beaugrand, Damien Dion et Hubert Renard ont conçu une proposition artistique pour l’espace X³. Parmi les quatre propositions ci-dessous, saurez-vous deviner celle qu’ils ont réalisé ? »

Un tirage au sort parmi ceux qui ont donné la bonne réponse a désigné le gagnant, qui a remporté l’objet placé dans le coffre. Ce Grand Jeu Concours sans obligation d’achat était ouvert durant toute la durée de l’exposition, du 17 décembre 2017 au 17 février 2018. Les résultats ont été communiquées le 18 février 2018 à 12h.

Les 4 propositions :

1. Un pour tous : Invités par Adrien Abline à faire une exposition dans un coffre-fort, exposition invisible et de dimensions contraintes, les artistes Cloé Beaugrand, Damien Dion et Hubert Renard ont décidé de produire un seul objet déterminé par la « marque » de leurs pratiques respectives, par leur « signatures visuelles ». Après discussions, réflexions, disputes et palabres, ils ont réalisé une pièce intitulée : Un pour tous. Il s’agit d’un document A4 sur papier ordinaire, ressemblant aux feuillets distribués dans les galeries pour présenter l’exposition. Sur le recto, Hubert Renard a représenté l’espace du coffre-fort comme un plan d’exposition où il a placé des repères renvoyant à des légendes décrivant trois œuvres fictives que chacun des trois artistes aurait pu réaliser. Au verso, Damien Dion a écrit un texte d’une page, récit détaillé et circonstancié de leur participation au projet X³, depuis l’invitation jusqu’à l’exposition dans le coffre. Enfin, s’emparant de ce « document de médiation », Cloé Beaugrand en a fait une cocotte en papier, comme elle le pratique habituellement dans les expositions des autres. Ce « Plan / récit / cocotte » a été confié au curateur afin qu’il le place dans le coffre durant la durée de l’exposition. Il n’a jamais dit s’il l’avait posé à l’envers ou à l’endroit.

2. Certificat d’authenticité : Cloé Beaugrand, Damien Dion et Hubert Renard, invités par X³ à réaliser la première exposition de groupe organisée dans le coffre-fort, ont choisi de réaliser un document officiel et précieux témoignant de leur contribution à cette proposition artistique. Celui-ci a été déposé par Adrien Abline à l’intérieur du coffre pour la durée de l’exposition. L’objet exposé est donc un certificat d’authenticité attestant que les trois artistes ont réalisé une œuvre intitulée Certificat d’authenticité.

3. Fontaine arasée : Cloé Beaugrand, Damien Dion et Hubert Renard, invités à confier à Adrien Abline un objet pour qu’il soit déposé dans un coffre-fort faisant office d’espace d’exposition cachée, ont souhaité rendre hommage à Marcel Duchamp pour le centenaire de son ready-made Fountain, lui-même caché lors du Salon des artistes indépendants de New York, en 1917. Ils ont ainsi, choisi et commandé sur internet un urinoir en céramique blanc, modèle Korint et de marque Aquart, de dimensions 47 x 36 x 30,5 cm. À l’instar de Duchamp qui avait signé son urinoir sous le pseudonyme de R. Mutt, suivi de la date « 1917 », les trois artistes ont décidé de le signer « D. Beaunard », suivi de la date « 2017 ». Cependant, après réception du colis, Adrien Abline leur annonça que l’urinoir était un peu trop grand pour le coffre (les dimensions de l’urinoir n’était pas précisées sur le site de vente en ligne, et quant aux dimensions du coffre-fort, la seule information disponible est X³). Qu’à cela ne tienne, ne reculant jamais devant l’adversité, le trio, avec l’aide des membres d’un CFA situé du côté de Chartres, poncèrent, limèrent, arasèrent la céramique afin que l’urinoir puisse entrer de justesse dans le coffre-fort. Cette pièce s’intitule donc Fontaine arasée. Par précaution, au cas où leur œuvre serait abîmée ou perdue, ils en ont fait un moulage en vue de l’édition de répliques à tirage limité.

4. Trois fois rien : Cloé Beaugrand, Damien Dion et Hubert Renard, invités par Adrien Abline à réaliser la première exposition collective de son projet X³, ont décidé unanimement d’organiser un jeu concours plutôt que de produire une pièce quelconque à exposer dans le coffre. En effet, l’existence de ce coffre-fort et l’engagement d’Adrien d’y déposer les œuvres confiées par les artistes, ne reposent que sur sa bonne parole, et le récit qu’il nous en fait. Or, étant les premiers à embrouiller les esprits et les frontières entre réel et fiction, Beaugrand, Dion et Renard savent qu’il ne faut jamais faire confiance aux artistes. La parole d’Adrien ainsi remise en question, le trio choisit de laisser le coffre vide pendant toute la durée de l’exposition s’épargnant par la même occasion de nombreux efforts de production. Ainsi le gagnant du jeu concours ne gagnera rien, les perdants n’auront rien non plus. Ni gagnant ni perdants, tout le monde est content.

Œuvre en forme de cartel d’exposition spécifiquement conçue pour l’exposition Le paradoxe du cartel à la galerie Valérie Delaunay, Paris (9 novembre – 23 décembre 2017, commissariat : Isabelle de Maison Rouge),et faisant le récit de ma participation à ladite exposition.

Copyleft ou copyright, comme le dit l’opportuniste, je retourne ma veste toujours du bon côté.

Photoshooting d’objets domestiques design présents dans la résidence Huet-Repolt à Bruxelles, tous candidats au prestigieux et très select statut de readymade.

L’artiste, bien que présent dans la salle, reste immobile et silencieux, pendant que la diffusion pré-enregistrée de sa propre voix se fait entendre, faisant la présentation d’un livre sur son travail intitulé Cahier d’images. La voix parle de différentes pièces de l’artiste et décrit à une assistance fictive les images soit-disant présentes dans l’ouvrage. Le public réel, lui, a en main le livre en question, qui ne contient en fait aucune image, seulement des emplacements vides accompagnés de légendes. Face à cette ekphrasis sonore, le public ne peut qu’imaginer ce qu’il est censé voir.

Des clés de châssis, détournées de leur fonction initiale, servent d’éléments de base pour une série d’interventions in situ où elles viennent (discrètement) «tendre» et ponctuer l’espace qu’elles occupent.

64 variations ponctuationnelles à partir de la formule de Fichte « Pas d’effort, pas d’objet ». Une première version constituée de 16 variations avait fait l’objet d’une édition en 2016.

«Ad libitum est une expression latine qui signifie littéralement ‘‘jusqu’à ce que (je) sois pleinement satisfait’’, ou mieux, ‘‘à volonté’’, autrement dit ‘‘à satiété’’. Elle est composée de la préposition ad (‘‘à’’) et du substantif libitum issu de la forme verbale libitum est (‘‘il (m’) a plu de…’’), parfait de l’indicatif de libet (‘‘il (me) plaît de…’’), verbe impersonnel. En musique, l’expression est utilisée et portée sur les partitions, souvent sous sa forme abrégée ad lib.» (source : Wikipédia)

Une même carte postale à envoyer à deux adresses différentes, timbrée des deux côtés. D’après le principe d’indétermination (ou principe d’incertitude) de Heisenberg, tant qu’aucun choix n’a été fait, cette carte postale reste dans un état de superposition quantique et arrive simultanément aux deux destinataires. Si le système postal fait un choix, il détermine la direction de la carte vers l’une ou l’autre de ces destinations. Personne ne sait d’avance où (et si) la carte postale finit par arriver.

Une performance aux allures de conférence pseudo-scientifique à propos de la notion de mesure, jouant sur le décalage entre langage, son et geste. Le conférencier ne parle pas mais ses lèvres bougent en même temps que le son pré-enregistré de sa propre voix (lip-sync). L’illusion d’une conférence prononcée en live se dissipe, révélant la supercherie, lorsque le conférencier cesse de remuer les lèvres alors que sa voix continue à se faire entendre. Le conférencier n’a pas de chaussures, et ses chaussettes sont dépareillées.

Espace de temps d’un temps de silence, au rythme de 4,75 cm par seconde

Cette pièce est composée d’une série de paillassons identiques sur lesquels est imprimé le mot SEUIL en écriture spéculaire. À  la fois désacralisée et désacralisante, la forme « paillasson » joue sur le statut incertain d’un objet qui est ici simultanément objet d’art et objet domestique. Le ou les paillassons peuvent être dispersés dans divers endroits qui font seuil : dans l’embrasure d’une porte, dans un sas, un couloir… Il est le symbole d’un passage entre deux espaces, entre deux états. Son écriture en miroir invite à un jeu de réflexion, dans le double sens du terme. À  la fois objet du monde et reflet d’objet, sa dimension spéculaire prend une tournure spéculative en forme d’interrogation métaphysique : et si notre monde n’était que le reflet d’un autre ?

Les écrits s’envolent, les paroles restent.

Sur une colonne du lieu d’exposition, des images de colonnes de toutes époques et de tous styles. Une colonne fonctionnelle qui devient un monument dérisoire, littéralement porteur de la mémoire d’un élément architectural chargé de sens et d’histoires.

Travail de mise en abyme et jeu de présence-absence de la peinture : peindre des tableaux (gesso sur toiles de lin écrues), les accrocher dans un lieu, les photographier, décrocher les tableaux et accrocher leurs vues d’exposition légendées à leur place, in situ. Les tirages dépendent totalement du lieu où ils sont accrochés et n’existent que le temps de l’exposition où ce projet est présenté.

Ci-dessous : vues de l’activation à l’Artist Residency Huet-Repolt en 2019.

2017. Deux cadres en bois brut, verre, verre brisé, impression sur papier, 26 x 32 cm chacun.

Deux cadres identiques, l’un contenant un sous-verre brisé placé derrière un autre sous-verre identique, et l’autre contenant le récit de cet incident, où il est question de hasard, de Duchamp, de poussière et de mémoires parfois trop érudites.

« Damien Dion, adepte des détournements minuscules, des interventions infinitésimales, des actions furtives, vient non pas en « rajouter », comme aurait fait n’importe quel invité, mais, en considérant l’exposition de Beaugrand comme un environnement donné ou une situation existante, il tente d’en saisir les interrelations et les rapports à la ville, au monde globalisé. Ainsi, il manipule les objets accumulés dans la galerie, il en expérimente l’autonomie, mais aussi il les soumet à l’expérience du contexte. C’est un procédé extrêmement pragmatique de confronter l’art et son aura à la réalité du monde. Cette friction entre la fiction et le réel n’est pas documenté par des vidéo ou des photos, comme d’autres artistes de l’intervention peuvent le pratiquer, mais par le récit que l’artiste en fait le soir du vernissage. Une oralisation du processus qui n’est pas sans rappeler que l’oralité est caractéristique d’une stratégie (…) qui procède à la fois d’une méfiance envers les usages aliénant du milieu de l’art et d’une volonté affirmée de jouer avec le monde sans convoquer les philosophes certifiés et sans s’encombrer d’objets imposants. Moins, c’est vraiment mieux. »
Alain Farfall, extrait de « Une brève histoire de l’art comme instrument de résistance », préface de l’ouvrage de Cloé Beaugrand Des Tentatives 2011-2015, Paris, L’Espace d’En Bas, 2016

Deux séries d’interventions : L’Espace du Dehors (expositions temporaires), où différents éléments de l’exposition de Cloé Beaugrand ont été sortis dans la rue ; et Viens chez moi, j’ai droit d’asile, interventions dans l’église Notre-Dame-de-Lorette à partir de travaux de Florian Cochet, artiste lui aussi invité par Cloé Beaugrand et qui avait réalisé une série d’interventions discrètes dans l’Espace d’En Bas, regroupées sous le titre Viens chez moi, j’habite chez une copine.

Quelques documents et lecture du texte Tentative(s) de déplacement(s), Peinture de faits et gestes, le 9 juillet 2015 à L’Espace d’En Bas :

L’Espace du Dehors (expositions temporaires) : plan des expositions

L’Espace du dehors (expositions temporaires) : Faux et usage de faux (marche-performance, d’après Cadere)

L’Espace du Dehors (expositions temporaires) : Welcome to Paradise! (lâcher de confettis noirs à l’entrée de la rue de Paradis)

L’Espace du Dehors (expositions temporaires) : Sens de la visite (66 punaises jaunes plantées dans un banc public du Square Montholon)

L’Espace du Dehors (expositions temporaires) : Entr(av)ées (barres recouvertes de feuille d’or entravant les entrées du 22 et du 24 Cité de Trévise)

Viens chez moi, j’ai le droit d’asile : liste des interventions :

Viens chez moi, j’ai le droit d’asile : Le Mystère de la Trinité (icône), Photographie d’une photographie retournée de Florian Cochet intitulée Jésus, Noël et Moi, et glissée dans la vitrine d’affichage des horaires d’ouverture de l’église Notre-Dame-de-Lorette

Tentative(s) de déplacement(s) – Peinture de faits et gestes
(ce texte a été lu le jeudi 9 juillet 2015 à l’Espace d’En Bas)

Invité par Cloé Beaugrand à intervenir dans le cadre de son exposition personnelle Tentatives de Rapprochement à l’Espace d’en bas, j’avais pour projet d’opérer une série de déplacements, de perturbations plus ou moins discrètes au sein des agencements précaires déjà proposés par l’artiste. Agencements qui, je le rappelle pour ceux qui n’étaient pas encore venu – ou qui n’avaient pas compris, ou bien qui n’avaient pas fait l’effort de lire la feuille de médiation pourtant rédigée à cet effet – sont composés de matériaux divers glanés par l’artiste au fil de montages et démontages d’expositions, et appartenant tous à des œuvres éphémères, destinées normalement à être jetés après usage.
Un plaque de lino de Wim Delvoye par ici, un morceau déchiré d’une photo de Aï Wei Wei par là… Mais également, du bambou, du fil, des punaises, des filets, des confettis, des fragments de papier peint, des bouts de bois, des barres de fer… Autant de matériaux qui, sortis du contexte de l’art, ne sont justement que des matériaux banals sans aura ni valeur artistique particulière. Et cela d’autant plus, donc, qu’ils étaient promis à la déchetterie.
Sauvés de justesse de la poubelle, ces matériaux devenus déchets se voyaient soudain offerts une nouvelle vie artistique grâce à la générosité et la bonté de Cloé Beaugrand, qui est d’ailleurs la seule personne que je connaisse à soigner les cailloux. Ce sont donc ces successions d’états, ces allers-retours entre art et non-art, ces changements de statut en fonction du contexte, qui ont suscité mon intérêt. Et puis une invitation comme ça, ça ne se refuse pas ! Ainsi, si le travail de Cloé Beaugrand se nourrit du travail d’autres artistes pour exister, le mien consisterait à se nourrir de celui de Cloé Beaugrand.
Lors de nos premiers échanges, il était question que je réalise des déplacements discrets des divers éléments de l’exposition, que je la reconfigure en somme, proposant ainsi de nouveaux agencements qui n’auraient eu pour seule particularité d’avoir été disposés par mes soins et non par l’artiste. Mais celle-ci ayant déjà expérimenté un certain nombre de variantes en amont du vernissage (l’exposition ici visible n’étant qu’un état possible parmi une infinité d’autres), proposer une variante de plus mais signé de mon nom n’aurait eu qu’un intérêt limité. Il a également été évoqué la possibilité de chambouler totalement l’exposition, puis de tout remettre en place avant le jour de la présentation du projet et de faire le récit de ce que finalement personne n’aurait été en mesure de voir. L’idée me plaisait bien mais j’avais déjà fait une proposition à peu près similaire lors d’une précédente exposition.
J’ai donc décider d’aborder le problème différemment : si la propriété artistique d’un objet ou d’un matériau dépend du contexte, le faisant passer de l’état d’œuvre d’art signé par un quelconque grand nom de l’art contemporain à l’état de simple déchet puis de nouveau à l’état d’œuvre d’art par l’entremise de Cloé Beaugrand, force est de constater qu’à chaque fois ces éléments sont envisagés non comme détritus mais comme constituants d’œuvres, ils sont présentés dans des cadres identifiés comme artistiques. C’était le cas des expositions dont ces matériaux sont issus, c’est encore le cas ici, au sein de cette exposition ou dans les catalogues conçus par Beaugrand. Que se passe-t-il si ces éléments sont déplacés hors des lieux de l’art pour s’infiltrer discrètement dans la réalité quotidienne ?

Ces réflexions ont donné lieu à deux séries d’interventions dans l’espace urbain que je vais m’employer à décrire ici.
La première proposition s’intitule L’Espace du Dehors (expositions temporaires) et regroupe cinq interventions réalisées dans les alentours de l’Espace d’en bas, et dont les emplacements ont été reportés sur un plan du quartier accompagné de légendes.
L’intervention numéro 1, intitulée Sens de la visite, est une série de 66 punaises jaunes issues initialement d’une œuvre murale de Benjamin Sabatier et prélevées dans l’une des installations précaires de Cloé Beaugrand. Elles ont été ensuite plantées dans l’assise d’un banc public du Square Montholon le lundi 29 juin, agencées de sorte à former une double-flèche. Deux lignes de 12 punaises placées côte-à-côte forme la barre centrale. À chaque extrémité se trouvent un triangle de 21 punaises formant chacune une des pointes de la flèche. Chaque pointe est constituée d’une rangée de 6 punaises à sa base, suivi d’une rangée de 5 punaises, suivi d’une rangée de 4, puis de 3, puis de 2, la pointe du triangle étant constituée d’une seule punaise. Avec un peu de chance, ça y est encore. Peut-elle faudrait-il aller vérifier…
L’intervention numéro 2, dont le titre est B.A BA, est un ensemble de quatre dalles de linoléum de Vim Delvoye placées sur le rebord d’une fenêtre du rez de chaussée du 4 rue Montholon. Un détail amusant : ces dalles ont deux types de motif assez semblables mais suffisamment différents pour constater qu’ils ont été répartis en deux catégories distinctes. Nous avons le modèle A et le modèle B, ces lettres étant inscrites au marqueur noir au dos des dalles. Ces dalles ont donc été judicieusement placées contre les volets fermés de la fenêtre pour former une ligne horizontale, commençant à gauche par une dalle B, suivie d’un espace, une dalle A, un espace, puis une dalle B et une dalle A, tranche contre tranche, sans espace entre. L’agencement pouvait donc se voir mais également se lire, chaque dalle étant une lettre. Les dalles utilisées ici viennent de celles laissées de côté par Cloé Beaugrand et visibles dans la pièce du fond près de la table de consultation des documents. B.A BA a été exposé une heure par jour à 4h de l’après-midi durant quatre jours entre le mardi 30 juin et le vendredi 3 juillet.
L’intervention numéro 3 est une action consistant à saisir une poignée de confettis noirs issus du monticule disposé sur le rebord intérieur de la fenêtre de l’Espace d’en bas, de se rendre à l’entrée de la rue de Paradis, au croisement du Faubourg Saint-Denis, pour lâcher joyeusement ces confettis dans les airs. Cette action festive s’intitule Welcome to Paradise!
Pour l’intervention numéro 4, j’ai utilisé deux barres cylindriques recouvertes de feuilles d’or pour entraver l’accès aux entrées des numéros 22 et 24 de Cité de Trévise pour une durée indéterminée. Du moins c’était l’idée, jusqu’à ce qu’un agent d’entretien de la ville de Paris, qui nettoyait le trottoir non loin de là, me demande de retirer ces barres pour ne pas gêner les habitants. Il est vrai que j’étais resté proche du lieu du crime pour observer d’éventuelles réactions. En temps normal, je ne serais pas resté et les aurais abandonné là. Mais ces barres dorées appartiennent à l’Espace d’en bas, et Jean-Louis Chapuis, qui est sans doute un peu fétichiste (peut-être est-ce parce que ça brille, je l’ignore), m’avait expressément demander de les rapporter après. Heureusement, des photographies des barres en situation permettent de faire croire à la réussite de cette installation perturbatrice intitulée Entr(av)ées.
L’intervention numéro 5 est une marche-performance avec accessoire ayant pour titre Faux et usage de faux. Lors de ma première visite de l’exposition de Cloé Beaugrand, j’avais remarqué ce tasseau de bois carré posé contre une plaque de verre enserrée entre deux caisses. Sur ce tasseau se trouvent des bouts de rubans adhésifs colorés placés à intervalles plus ou moins régulier sur l’ensemble du bâton, sorte de parodie « cheap » des barres de bois rond d’André Cadere, que l’artiste avait pour coutume de trimballer à bout de bras lors de marches dans la ville, pour aller les disposer discrètement contre le mur d’une galerie ou de n’importe quel lieu consacré à l’art contemporain. Je me suis donc saisi de ce faux Cadere de facture pour le moins rudimentaire pour entamer une marche. Le point de départ, totalement arbitraire est situé au niveau du 11 Cité de Trévise, à proximité du petit rond-point ressemblant à un petit parc dans lequel on n’a pas le droit d’aller. J’ai ensuite remonté Cité de Trévise vers la rue Bleue, pris cette rue vers la gauche, tourné à droite rue Riboutté, puis à droite rue Lafayette pour déboucher dans la rue Papillon que j’ai descendu pour revenir rue Bleue et finir ma marche dans l’Espace d’en bas pour déposer le bâton à un autre endroit que son emplacement initial. C’est finalement le seul élément qui a été déplacé au sein de l’exposition.

La deuxième série d’interventions hors de l’Espace d’en bas porte le titre générique de Viens chez moi, j’ai le droit d’asile, détournant le titre de la série d’interventions intitulée Viens chez moi, j’habite chez une copine, de Florian Cochet, lui-même artiste invité à intervenir dans cette exposition. On notera en passant que Cloé Beaugrand peut se targuer d’avoir inventé le concept d’exposition individuelle collective. Mais je laisse le soin aux historiens de l’art de vérifier avec rigueur cette assertion. Les propositions de Florian Cochet sont de nature extrêmement discrètes voire cachées, créant une forme élégante et subtile de jeu de piste où il est question, à partir de cinq titres sans descriptions, de découvrir ce qui a été réalisé.
J’ai donc choisi de travailler à partir de deux de ses propositions. Tout d’abord celle intitulée Jesùs, Noël, et Moi, 2015, qui consiste en une photographie retournée et placée sous verre. Nous n’avons donc aucune idée de de ce qui est photographié, seul le dos, contenant le titre manuscrit, est visible. Cette dimension énigmatique, renforcée par la connotation religieuse des termes « Jesùs » et « Noël », m’ont évoqué les Mystères qui, dans la théologie catholique, sont des réalités inaccessibles à la seule raison et objets d’une révélation. Ils sont, selon Saint-Paul, le dessein même de Dieu. Parmi les mystères du dogme catholique il y a celui de la Trinité. Ici, Jesus, Noël et Moi deviennent les acteurs d’une nouvelle Trinité. En photographiant ce dos de photographie, ce qui était le dos d’une image devient lui-même image, c’est-à-dire icône. La photographie ainsi réalisée, baptisé Le Mystère de la Trinité (icône), a été glissé subrepticement dans un placard-vitrine sur la grille principale de l’église Notre-Dame de Lorette, là où sont consultables les horaires de la messe.
L’œuvre de Florian Cochet, modeste et discrètement déposé parmi les documents de Cloé Beaugrand dans la pièce du fond de l’Espace d’en bas se voit soudain mis en lumière dans l’espace public pour toute personne passant devant Notre-Dame de Lorette.
C’est dans ce même endroit que j’ai choisi de placer la seconde proposition, intitulée La Multiplication des tétines. La proposition initiale de Florian Cochet, nommé Tétine est un insert furtif glissé dans un exemplaire du recueil de poèmes en prose de Francis Ponge Le Parti Pris des Choses, exemplaire lui-même furtivement ajouté à la bibliothèque de l’Espace d’en bas. Cet insert reprend avec précision le modèle de page du livre de Ponge, que ce soit dans le choix du papier, sa teinte, son grammage, son format, la typographie utilisée, mais il s’agit d’une création littéraire de Florian Cochet. Une fausse double-page 67-68 recto-verso venant en doublon à côté de la vrai double-page. J’ai pris le contre-pied de l’extrême discrétion et de la méticulosité de l’artiste en photocopiant Tétine à 300 exemplaires, mis en page sous la forme d’une page A4 pliée en deux et laissés sur les bancs de l’église le samedi 4 juillet au soir pour qu’ils puissent être utilisés par les paroissiens le dimanche matin lors de la messe de 11h, sûrement ravis de découvrir ce texte comme support à leurs prières. Par la photocopie, le texte perdait ainsi en qualité de reproduction ce qu’il gagnait en visibilité et disponibilité.

La dernière série d’interventions, intitulée Archives Beaugrand : ajouts récents, est un renversement de ce qui a été proposé auparavant : le dehors réintègre le dedans. Il s’agit d’une contribution personnelle aux fiches d’inventaires de Cloé Beaugrand visibles dans son classeur. L’artiste s’étant arrêté au numéro d’inventaire 000017, j’ai proposé 7 nouvelles fiches en reprenant la numérotation là où elle s’est arrêté, c’est-à-dire à 000018 jusqu’à 000024. Cependant ses fiches ne font pas l’inventaire de déchets issus d’œuvres d’art, mais de véritable déchets laissés dans la rue tels que des planches bois, des plaques de cartons, des palettes abandonnées ou encore des sacs en papier. Par ailleurs, en plus de les photographier, j’ai également utilisé le tampon rouge de numérotation servant aux fiches pour tamponner directement les objets. L’inventaire de Cloé Beaugrand des restes d’œuvres d’art se voit maintenant complété, parasité peut-être, par des restes de la vie quotidienne qui ne sont pas issus d’œuvres d’art, qui ne sont pas eux-même en soi des œuvres d’art ou des ready-mades, mais des éléments du réel laissés dans le réel, même si ils auraient pu, peut-être, dans un autre contexte, faire œuvre. Qui sait…

Désireux de ne pas ajouter d’images à une exposition finalement déjà assez riche visuellement, j’opte donc pour l’ekphrasis, c’est-à-dire la description ou l’évocation d’un objet ou d’une œuvre d’art, réelle ou fictive, description souvent enchâssée dans un récit. J’adore les mots savants. Ce mot grec signifiant littéralement « expliquer jusqu’au bout », j’ai donc tenté ici de vous expliquer jusqu’au bout tout ce que vous n’avez pas eu la possibilité de voir de vos yeux, à l’exception de l’intervention dans le classeur que je vous invite d’ores et déjà à consulter. Des photographies de ces interventions existent pourtant bel et bien et seront sûrement publiées d’une façon ou d’une autre ultérieurement. Mais une photographie n’a pas plus valeur de preuve que ce récit, qui dépeint tout aussi bien – voire mieux – un ensemble de gestes qui ne se laissent, de toute manière, pas facilement voir, si tant est qu’ils existent, bien que ça ne soit, au fond, que d’une importance limitée.
Quoi qu’il en soit, comme le dit Alain Farfall, « ne pas oublier que c’est souvent plus compliqué que ça ! »

Action furtive réalisée sur toute la durée de mon contrat de vacation comme surveillant de salles dans un célèbre musée parisien entre septembre 2015 et février 2016. Cette action consistait simplement à ne jamais être assis à mon poste, sous diverses formes : rester debout à côté, debout ailleurs, marcher, me promener dans les salles, discuter. En somme, laisser ma chaise vide. Cette dernière a été minutieusement photographiée jour après jour. Ces images de mon absence étaient ensuite publiées chaque jour (travaillé) sur Facebook. L’ensemble a fait l’objet d’un livre d’artiste.

Observer un élément de l’espace urbain (un plot de chantier, une barrière…), le photographier en l’état, puis le déplacer légèrement, changer sa position, avant de prendre une nouvelle photographie, pour marquer le changement. Ce geste inframince opère ainsi de micro-transformations dans le tissu du réel. Littéralement, il change le monde.

Projet basé sur l’évolution de l’écriture de l’article « Encyclopédie » sur Wikipédia. Les 5 tomes donnent à lire, dans l’ordre chronologique, différentes mises à jour de cet article, sélectionnées entre sa création en mai 2002 et fin décembre 2014.
Les couvertures détournent celle de L’Encyclopédie de Diderot et D’Alembert.

Cliquez sur chaque couverture pour accéder au tome en question.

Chaque triptyque se constitue invariablement d’une première image qui est un détail urbain photographié ; d’une deuxième image qui est le document montrant la première image collée en trompe l’œil et à échelle 1/1 dans l’espace urbain ; et d’une troisième image montrant la deuxième image en situation d’exposition, accrochée sur une cimaise. La ligne de déchirure, qui traverse de manière continue les trois images, les ramène sur un même plan en les confrontant à leur fragilité concrète et à leur réalité : ce ne sont que des images.

Ecart entre l’incapacité physique de plier plus de sept fois une feuille sur elle-même quelque soit sa taille et la volonté d’atteindre par la pensée des subdivisions toujours plus petites jusqu’à l’Unité de Planck (10 puissance -33 cm), voire encore au-delà.

Mesurer tout et n’importe quoi en énonçant les mesures en pouces et en centimètres, sans préciser les unités.
«La taille exacte de la réalité se mesure-t-elle en pouces ou en centimètres ?»

Action consistant à accrocher sur un réverbère une annonce d’objet perdu indéterminé. Le passant ignore la nature de cet objet, et il n’y a aucun contact indiqué. A lui d’imaginer de quoi il s’agit.

Sur un fond d’images issues d’autres vidéos de l’auteur, la bande sonore, sans aucun lien avec ces images, rapporte des fragments d’une conversation parfois à peine audible entre deux germanopratins, enregistrée à leur insu dans un bar du boulevard Saint-Germain, à Paris. Il y sera question de sexe, d’art, de showbiz, de Chez Castel et de voyage à Dubaï. Bref, la vie, la vraie! (Feat. François Poyet à l’image, improvisant un poème lettriste, devenu « aphoniste » pour la circonstance)

Récit/compte-rendu de ma (courte) résidence d’artiste à Grenoble, dans le cadre du projet PRESENCE (presencebarree.tumblr.com). Une résidence fragmentée car répartie sur deux fois trois jours durant douze jours (du 20 au 31 janvier 2013), et insérée dans une autre résidence d’artiste commencée avant et achevée au même moment : celle de Cloé Beaugrand et Hubert Renard. Un court temps de résidence où, finalement, je n’ai que très peu produit, mais beaucoup vécu, et je le raconte. Le texte est une mise à jour de celui conçu pour ma pièce Récit autorisé d’une résidence fragmentée et insérée, ou : Sculpture discursive à réduire à néant par dispersion de ses éléments.

« Anne-Catherine Caron, la directrice de la Galerie-du-Sac-de-la-Dame, par son souffle démiurgique, dispersera partout où elle se trouve, autant de fois qu’elle le souhaite durant toute la durée de l’exposition, des Bulles-Cosmos, qui sont autant d’univers qui naissent, vivent et meurent, en quelques instants. Entre-temps, qui sait combien de mondes auront pu voir le jour puis disparaître, combien de civilisations vont naître et prospérer, avant de s’effondrer ? Dans des échelles de temps relatives qui nous sont imperceptibles, le temps écoulé entre l’expansion initiale d’une Bulle-Cosmos et son inexorable éclatement, pourra avoir duré, qui sait, une éternité… »

Projet conçu en résidence aux Moyens du Bord à Morlaix, en vue de l’exposition Autour de la Baie-5e volet (Les Moyens du Bord, Morlaix, novembre-décembre 2012)

Avant de désigner le marcheur, l’arpenteur est celui qui mesure les terres en les parcourant. Mais jusqu’à quel niveau peut-on les mesurer ? Où commence l’in-mesurable ? Parti de la Pointe du Cosmeur pour rejoindre à pied la Pointe de Barnénez, j’ai essayé de suivre littéralement le littoral de la baie de Morlaix tel qu’il apparaît sur une carte. Par cette marche auto-forcée, je voulais éprouver physiquement l’écart entre carte et territoire, explorer la zone infinitésimale située dans cet écart.

L’Arpenteur de la Baie, épopée infinitésimale, marche-performance effectuée le 18 octobre 2012 entre 14h25 et 20h20 (photos Hervé Ronné).

Itinéraire(s) d’Arpentage, tracés d’itinéraires possibles (Affiche, 60 x 84 cm)
En vente en édition limitée chez Gravitons Editions

Lecture de L’Arpenteur de la Baie, récit d’une épopée infinitésimale, le soir du vernissage (photos Hervé Ronné)

Une danseuse improvise des mouvements chorégraphiques jusqu’à ce qu’un individu arrive pour tenter de la gêner, d’empêcher ses mouvements en se plaçant devant elle, en essayant de la déconcentrer par divers moyens… Seulement, la danseuse ne se laisse pas faire et se joue de l’empêcheur pour continuer sa danse, intégrant l’élément perturbateur à son improvisation chorégraphique. Ce qui devait être un empêchement chorégraphique sur le papier s’est finalement transformé, une fois interprétée, en quasi-empêchement chorégraphique.

Si la vidéo s’affiche mal, cliquez ici.

La physique quantique et la cosmologie induisent une représentation complexe et souvent insaisissable de notre monde, depuis les choses les plus infimes jusqu’aux plus étendues.
Dans un double élan, l’installation invite le visiteur à développer son acuité sensorielle et intellectuelle, tout en lui refusant, par un jeu de superpositions sonores, le plein accès à des contenus déjà peu appréhendables.
Il s’agit ici autant d’un questionnement sur les limites de notre compréhension de la réalité, que sur la difficulté d’accéder à des discours qui tentent, pourtant, de nous l’expliquer.

Vidéo de l’installation visible ici

Neuronanisme à valeur variable/un euro, présenté en 2016 lors de l’exposition Body Body (man gave birth to all the animals) à La Plaque Tournante, Berlin (à gauche, un livre d’artiste des frères Chapman)

Revue restituant à ensemble d’actions, interventions ou installations dans ou à propos de l’espace urbain, réalisés entre 2010 et 2011. Basé sur le principe de la feuille A3 recto-verso, chaque numéro possède cependant un pliage spécifique, correspondant à son contenu. Son économie est celle du don. La revue était laissée ci et là (centres d’art, librairies, boulangeries, cafés, bancs publics, transports en commun…), mise à disposition de tout un chacun.